個人與群體之間的流動 —— 看《銳舞．搖擺的世代》

第三十五屆澳門藝術節剛結束，節目數量銳減，使本屆藝術節彷彿過得格外短促。想到主題為「成長」就不禁感嘆青春真短暫！今年演出幾乎全被安排在文化中心進行，按規模散佈在不同劇院內，而較為吸睛有「黑盒II」的變裝。先是美國劇場鬼才傑夫．索貝爾藉《美食》將其化身成餐廳，後有《銳舞．搖擺的世代》，近年活躍舞壇的本地編舞劉沛麟直接把一個大型 rave party 搬進其中。

Rave（銳舞）是 90 年代興起的次文化，是種地下的狂野舞會。演出開始前，劇院前台擺放著衣架，掛滿色彩鮮艷的服裝、圍巾和手袋，枱上陳列閃亮誇張的飾物，如彩虹絲巾、毛毛護腕、耳機等，已向觀眾發出邀請一同參與這場「派對」。是次燈光設計師杜國康兼任舞台設計。踏入演出空間，靠近主牆設有一個挑高、以鐵籠包覆四周的 DJ 打碟區域。幽暗的空間因反光的鏡面物料折射著微光，角落分別設有兩個鋪著反光鏡面的小舞台，兩側設有可站可坐的階梯。高台前的地面有一條長長的反光鏡面步道，如 catwalk 走道，一直延伸到黑盒最邊緣，直至平日並非演區的後台空間。

《銳舞．搖擺的世代》演出照（攝影：OS）

被操縱的動線與視線

演出由官方的劇院溫馨提示響起才正式揭開序幕，劃破那個猶如派對般的氛圍——儘管演後編舞強調那並非一個沉浸式演出。節奏明快的電子音樂貫穿全場，在沒有所謂主要的演區的空間內，觀眾可以任意走動，甚至佔領場邊兩個小舞台。開始時，五名舞者從四面八方登場，身上混搭的物料，如皮革與窩釘，薄紗與羊毛，已隱隱透露出矛盾（或包容）的特質。他們穿梭於人群之間，以用力踏步的方式，凝視觀眾，逐步靠近。有觀眾投入地與舞者互動，有些則站立一旁，舞者時而快速扭動，時而放慢動作，在慢鏡頭般的瞬間，有種時空被放大的感覺。

那是本次編舞和舞者的劉沛麟正在探索的表演方法，也是他對觀演關係的探索。去年發表獨舞作品《Kiwi》時，同樣運用大量電音和挑釁姿態，刻意撩動觀眾。在階段呈現中，他曾分享過如何以眼神、肢體和非常規的演區的位置引導觀眾觀看作品，那時他先後於T劇場和文化中心小劇院的單面舞台演出，而這次把如此模式擴展至整個沒劃分觀／演的空間，要調控觀眾的視點，難度增加不少。首先觀眾並無統一的角度欣賞作品，人群大多處於游離狀態，舞者抓緊觀眾注意力需要極大能量；其次舞者與部分觀眾距離極近，營造出微妙的張力，但可惜的是並非在場人人能感受，總有人自然地排除在外（或自我放逐）。筆者在旁觀察時疑惑：觀眾是否參加派對的一員？可能是，也可能不是。所以，若說這是「沉浸」，恐怕掉進編舞刻意設計的錯覺裡。

《銳舞．搖擺的世代》演出照（攝影：Bob Wong）

活著是不斷反省，最終消耗

作品介紹中提到運用霹靂舞（breakdance），其實還有電臀（twerking）貫穿其中。起源於街頭文化的霹靂舞，多以展現自己為目標，甚至包含對決元素，是人與人之間的身份較量，原本就有著很強的自我意識，大量的電臀舞姿為作品添加情慾元素。舞者由獨立的個體，慢慢交會，形成雙人舞、三人舞。性感而野性舞姿反復地出現，強勁的力度一直持續，甚至有種不斷消耗身體的狀態。轉折位是，兩位女舞者施明秀與李寶欣移動到一角的舞台上交纏，另一端，三位男舞者劉沛麟、梁保昇與劉嘉騫如儀式般圍作一圈，互相撫摸臉龐，其中劉沛麟舉起手機錄下過程，三人緩緩移動到靠牆邊的鏡面階梯上。這幕突破了一直建立的派對節奏，如雕塑的肌理感，讓人聯想起希臘神話中的納西瑟斯，在池塘邊愛上自己的倒影那個自戀之神。惟這段落的音樂仍是維持一樣，缺乏層次與漸進變化。

鏡面反射自身、以手機鏡頭對準自己，舞者不斷自我檢視，也許是自省，也許是自戀，無不折射著「Z 世代」的某種面貌。他們固然不能代表整個世代，但確實反映著這個年紀背後反覆觀照自己的焦慮與不安。舞者四散開來，在各自的角落中面向鏡頭，畫面實時投影到 DJ 身後的巨型屏幕裡，將面部表情與五官放大呈現。有意思的是，一般舞作中，我們習慣跟舞者保持距離，欣賞其肢體動態，然而，在這種視覺放大的手法中，觀眾突然跟舞者無比接近，甚至看不清「舞蹈」發生在哪裡。又因為空間的劇場性，它被定義為舞池，於是所有參與者都可以隨時起舞，「舞蹈」能夠發生在任何地方。

招搖和張揚過後，逐漸萎縮

音樂漸趨為安靜，低沉。早就靜候於二樓梯間的低音提琴手，拉出不規則的弦樂，與先前不斷重複的電音有著很大對比，更有人性化的味道，燈光亦隨之轉向劇場化的處理，舞池變得更像舞台。五位舞者脫下外衣，剝下那層外在的身份表徵。他們有著街舞、芭蕾、中國舞等不同背景，劉沛麟在演後談中提及，未有刻意將各人的身體或動態調整成更一致。也就是，即使是群舞，也有著各自的身體狀態，他們既在群舞，也在獨舞。此外，他本人與梁保昇的雙人舞也是深刻。跪坐、拉扯與摔角般的動作，結合地上的鏡面反射，則更像舞者與內在自我的掙扎，而非單純的互動或對峙。眼前彷彿是兩個人，又是一個人。

接近尾聲，其中一名舞者李寶欣換成一身樸素的運動外套和牛仔褲再次出場，暗示著她的不同面向，可是這種反差卻是模糊和意義不明。她與其他舞者一字排開，如模特兒行天橋一樣不停來回走動，像是告訴大家「eyes on me」，也無懼觀眾的目光。而最後在反光走道上各自扭動肢體，融入許多與地面觸碰和拍打，由原本開場時的張揚和侵略感，逐漸屈曲身體至瑟縮或躺地，更貼近地上的鏡面——那個象徵反照自身的物件。直到最尾，他們仍是以極高強度的肢體律動，把所有能量消耗殆盡方休，如編舞所言，那是種狂歡的極致。

後記

參與演後即時評論時，主持人曾提到：「有趣的是，當我們談論當代舞時，我們談論更多的不是他們的舞技，而是背後各種符號和隱喻。」當時我們輕輕帶過了劇戲構作（dramaturge）一環，惜未有更多更深入的討論，現在回想，如以《銳舞．搖擺的世代》為例，這角色為當代舞建立起一套更嚴謹的說故事方式，以至於我們著墨更多於作品所帶出的意義。細察作品一直建構的脈絡，會發現每個段落之間，舞者既與自己的對話，同時公開地展現自我。事實上，不論是舞者抑或是觀眾，都一直在個人和群體中之間拉扯，是種提問：你要成為大家一份子，還是做自己？本作品以身體為載體，提出了一套人與人之間的溝通法則，我們能像舉起手機般無時差，無地域界限般拉近放大，卻又隨時能躲在各種電子儀器後疏遠、退卻。這麼遠那麼近，正是一種現今世代獨有的、搖擺的流動性。