Lawrence：《銳舞》本質上也在說人的狀態，頭半部是個 rave party，後面是拆解去看每個人的狀態。我覺得他是澳門少數有技術也有想法的編舞，一方面他能跳，另一方面他也能執行概念。
踱迢：有時看當代舞蹈演出，概念和執行是兩件事，這裡面我看到他把握自己的嘗試。
Ho Ka Cheng：《銳舞》比《我非我非我》好的地方，是《我非我非我》比較散亂，《銳舞》之中看到人的肢體和燈光的組合。
沒有分誰主導、誰跟隨，他們各自，又共同的在流動、延伸，這是整個作品，最吸引我的地方，會讓人想像、跟隨、想像、跟隨、想像。直至，反光的物件被帶出，當想要說甚麼的時候，卻忘記了身體，忘記了流動，一切都跟著要說的「我」被帶走，而「我」卻消失了。
近年看過好些本地舞蹈演出，音樂與動作的和諧感總是很強，但這種和諧往往令動作過度依附於音樂，由音樂帶領著節奏與情緒，反而看不到身體的情感與記憶，況且聲音與動作必須同步嗎？不能有衝突嗎？甚至沒有了「配樂」，身體才更可能呈現出舞者本有的情感反應。這兩次看劉沛麟的創作，帶點去旋律、氛圍性的音樂、聲響設計傾向，為觀賞過程塑造出一個更寬闊的感官空間。
演出由官方的劇院溫馨提示響起才正式揭開序幕，劃破那個猶如派對般的氛圍——儘管演後編舞強調那並非一個沉浸式演出。節奏明快的電子音樂貫穿全場，在沒有所謂主要的演區的空間內，觀眾可以任意走動，甚至佔領場邊兩個小舞台。開始時，五名舞者從四面八方登場，身上混搭的物料，如皮革與窩釘，薄紗與羊毛，已隱隱透露出矛盾（或包容）的特質。他們穿梭於人群之間，以用力踏步的方式，凝視觀眾，逐步靠近。有觀眾投入地與舞者互動，有些則站立一旁，舞者時而快速扭動，時而放慢動作，在慢鏡頭般的瞬間，有種時空被放大的感覺。
一系列的階段創作或新作發表也沒有缺席，如澳門舞者工作室較集中探索街舞動作語言轉化的街舞劇場《Project D》、詩篇舞集每年集結青年創作人發表創作的《2022澳門當代舞展及交流平台》、四維空間《獨立構造》的類似發表平台、兄弟班藝術會發表的女子單口喜劇情演出《OMG求戀期》及夢劇社的2022「原創劇作孵化計劃」讀劇演出等。
不是說成為「配菜」不好——舞台上的一切都有其無可取代的份量——而是當代藝術有其發展脈絡，任何設計背後都象徵著一種含意。而每一次的作品呈現與被看，都是再一次就這些形式進行的探索與討論。
若是以抱著想看舞醉龍而來的，對不起，請在每年舉行的「澳門魚行醉龍節」看吧；若是以抱著看導演如何以舞醉龍為主題，引領觀眾思考，對不起，請閱讀研究資料吧！那本次澳門藝術節《舞．醉龍》演出帶給觀眾甚麼﹖筆者認為，下次不會再受騙了，就讓那民間傳統節慶繼續自然地發展吧。
漁民文化的消逝在《從記憶看見你》、《路．遊．戲》中都略有提及，而在一個討論建立在漁民文化之上的習俗和儀式對於文化起源的探索變成了對未來的臆想。從封好的紙箱中掏出龍頭龍尾倒像是另一重隱喻，「龍」似乎變得不再重要，但因此舞蹈和敲鑼打鼓都變得虛無。
綜觀兩檔節目、三段演出，身體主權的在地性，在不同的形式呈現中，都表現淋漓盡致，即使是相對內傾的主題（如創傷、如鬥爭、如分離），因為先還原了身體、表演藝術本質，在城市之中、不管是在黑盒子內或是戶外，都因而能有完整呈現。
對鋪陳簡介甚豐的《舞．醉龍》演出，我提出了一個疑問：理解傳統文化的意義非關文化底蘊卻為象徵意義，以此為立足點的當代創作是否牢固？以此演出作為藍本，答案遠比想像中難以回答。
光是以傳統技藝為創作素材的這件事論，「消費」的事實就無可避免地發生，而事實上「舞醉龍」也只是一個切入核心問題的引子，如此直接而毫不諱言的說法在這虛偽的時代中令我稍稍訝異；但我認為「舞醉龍」之於《舞．醉龍》，並非只是單純的將之當作一個噱頭或引子，而是有著更深程度的呼應。
類似的現場藝術／接近民居的行為藝術，都會遇到在地觀眾參與度的問題，什麼才是居民真正的參與？在現場的居民大致反應演出難以解讀，而大多是以奇觀心態拿出手機拍照後便迅速離去，另外，攜帶攝影器材的工作人員比演出者數量還要多，導致了觀眾無法不去注意他們的拍攝活動，在狹小空間裡甚至成為了演出整體的一部分。
當我們貿然走進他們的時候，希望和他們分享我們因藝術而看到或感受到的美麗動人之處的時候，我們是否真正的打擾了他們的生活節奏和思考？他們的拒絕，是我們希望看到的嗎？他們是否真的需要藝術來「協助」他們走這一生？
