澳門藝術節中的社群呈現

「醞釀  釋放」是第三十二屆澳門藝術節的主題，寄寓疫情當下，藝術家醞釀出時代力量，觀眾以此作為釋放情感的方式，在集體抗疫下，彰顯對「個人」感受與表達的重視。藝術節作為官方文化展示平台，有著文化中介的角色，既連接作品—藝術家，亦面向觀眾—社群，在節目選取、主題演繹及展示上，牽引出本土文化訴求、價值觀與態度，而創作人、表演者及文化團體，亦兼為社群／文化社群的一員，他們在本屆澳門藝術節中，醞釀出怎樣的時代力量、在集體中如何釋放「個人」的情感？筆者從《聊齋魅影》、《同船一心》、《孔乙己》、《嘉路士一世》、《消失的身影》與《嫲嫲的寶箱》這幾個節目試作探視。

帶刺的光環

本屆藝術節「傳統精萃」板塊，有振華聲粵藝會取材《聊齋誌異》〈聶小倩〉篇的粵劇《聊齋魅影》，以及澳門土生土語話劇團年度新作《同船一心》。粵劇與土生土語話劇，兩者皆以澳門地方語言作為劇種魅力，先後獲列入聯合國教科文組織《人類非物質文化遺產代表作名錄》，以及國家級非物質文化遺產，藝術節節目單有粵劇與土生土語話劇，已是品牌傳統，弘揚非遺的魅力與傳世價值以外，帶來的還有兩劇種背後的社群獨特生態和努力開拓未來的毅力。

《聊齋魅影》以兩年前的粵劇《倩女幽魂》為基礎深耕發展，劇名與場地選址金沙劇場，讓筆者聯想起《歌劇魅影》（The Phantom of the Opera），視覺呈現華麗，四位主要演員朱振華、莫穎霖、鄧華超及羅丹俞的功架到位、身段動作設計用心、唱腔具個人特色、唱詞淺白而流麗，近三小時的演出除偶爾因現場西樂與鑼鼓「水土不服」而導致音響發出怪聲，以及兩場群舞舞者的生硬無氣氛烘托之效外，基本令人陶醉和感動，而在改編上亦採取去除原著小說後半段的手法，將原來由聶小倩以燕赤霞所贈劍囊收服黑山姥姥的情節，改成聶小倩生前是燕赤霞結義兄弟之女，並由寧采臣守護誦經、滴血潤骨，甚至不畏與樹妖惡鬥，助小倩附魂蓮燈，淨化於熱河，經清蓮潤澤轉世，迎來人間光明，愛情最終戰勝了命運。如此改編，將原來故事強調知恩向善、女性自主掙脫束縛的主題，轉為得父輩庇蔭，有情郎犧牲奉獻、守得雲開見月明的旋律，強化了男性角色的設定，突顯出朱振華所演繹的男主角寧采臣，由賢孝書生，因愛因義而蛻變成為奮不顧身，蹈鋒護花的使者，甚至以血餵花，發展出「你中有我」的「爸爸式愛情」，從此改編之中亦折射出戲裡戲外，朱振華在大時代底下，所肩負的家長角色。

有云「看戲看角兒」，「角兒」是戲迷心中的偶像，資深老倌朱振華自然有其強大號召力與藝術實力，由他領軍演出票房自然有保證，但要長遠發展本土粵劇，必然要吸引年輕一輩投身其中，吸引新觀眾，才能力挽邊緣化的局面。他從《倩女幽魂》到《聊齋魅影》，起用年輕演員莫穎霖擔綱女主角，在傳統的粵劇舞台上，以至藝術節盛會中都是大膽而前瞻的，以自身力量帶動觀眾認識新一代年輕演員，看出其盡心盡力為本土粵劇培育新人。培養粵劇新星非易事，講求天分亦需時間浸淫，能唱能演，對粵劇內涵及文化要有理解，振華聲粵藝會從業餘邁向專業化，朱振華藉藝術節平台帶領新人走向更廣闊的天地，為傳承及扶持後起之秀扛起了時代的責任。

另一方面，朱振華作為《聊齋魅影》的主演亦擔任製作總監和編劇，劇情亦以他為核心展開，個人成為了作品的中心，體現了傳統戲劇主角中心制的特色，而他在美學和演出編排上取文武戲兼備的風格，配以《聊齋》本身的文學性和改編後更為曲折離奇的故事性，發展出一個無論是粵劇常客，還是第一次看粵劇的新觀眾，都較能接受的新編粵劇作品，對於推廣傳統藝術和文化有其巧思在當中。

「下弦」的力量

而《同船一心》則一如既往，在飛文基的帶領下，以特具時代觸覺的幽默之姿，藉面臨內憂外患的大郵船旅程為喻，藉富有娛樂性的輕歌舞劇，回應疫情下澳門人的不安定感。土生葡人的命運離不開海洋與遠航，他們的祖先數百年前從歐洲到非洲、印度、馬來西亞，最終選擇澳門作為落根之處，多元的文化融合形成獨特的土生土語，以及其所象徵的社會及文化身份。劇中安插的影像，見到一些土生「鄉里」已身在國際他方，仍留在澳門的土生葡人無論是離不開還是選擇不離開，或透視出由社群身份出發的思維與視野，像是短片中以自嘲的方式展現他們在澳門社會的特殊價值和生存之道，而劇情中土生葡人選擇在疫情平穩後，與華人同坐一船航向海南——另一個中國南邊的美麗島嶼——帶有融入灣區是航向遠方之前或之外，更實際更理性的安身之策的意味，似以一種老土而不失溫柔的成熟口吻，道出樂觀接受現實，心存盼望地活在當下，是面對無法迴避的困境時最好的心態。

而作品亦透過不同年齡、身份角色的際遇，多線呈現社會當下不同人面對的逆境，其中比較突出的是透過年輕角色妹妹與歐力高，兩個在追隨自我和尋覓理想上極具反差性的人物，從彼此發現、互相鼓勵，到欣賞和學習對方的過程，讓時下青年人壓抑的聲音被聽見，以及親身體驗成長的需求得以看到，有如未被正視的「下弦」，可能潛藏巨大的可能性和渴望為命運握舵的力量，蓄勢待發，呼應演出尾聲由新生代土生少年和兒童所演繹的《Imagine》一曲，感動而滿載希望。正如在日常生活中已幾乎不再被使用的土生土語，經過飛文基和澳門土生土語話劇團成員二十九年來的努力，透過澳門藝術節為平台，吸引了更多年輕人因參與或觀看話劇演出，而認識和學習土生土語，加強了土生葡人的身份認同感。由於社群的鍥而不捨，以及藝術節對社群文化的重視和持續支持，讓土生土語爭取到延續的空間，在上演話劇的同時，漸漸創造出一種年度聚會的氣氛，加上劇目主題緊貼城中熱話並且諷刺時政，容易使觀眾產生強烈共鳴，而葡人及土生圈子名人或熟人的參與，亦加強了社群間的連結，勾起在場華人觀眾未必知曉的集體回憶與歷史點滴，展現出只有族群之間才會會心微笑的別樣鄉情。

何必「孔乙己」

談到鄉情，小山藝術團呈獻的兒童音樂劇《孔乙己》，以鄉情感化迂腐卻善良的孔乙己，改寫了原著的結局。作為本屆藝術節中唯一有兒童參演、以兒童為對象的合家歡音樂劇，《孔乙己》團隊呈現的藝術語言純熟，戲劇節奏明快，舞台設計與燈光精緻優美，曲詞朗朗上口，一班小演員情感拿捏到位，表現驚喜連連，以製作及表演而論，實屬佳作，也看到小山藝術團專注於兒童劇耕耘成果，為推動澳門兒童劇發展的貢獻，唯對於團隊在兒童劇改編的選材，以及如何看待從文學到兒童劇的改編上，對原著的尊重和面向社群的想像方面，有探討的空間。

筆者欣賞藝團傳遞善良可貴、人間有愛的訊息，但對於何以會選擇改編《孔乙己》抱有不解。《孔乙己》是文學巨匠魯迅筆下的著名短篇小說，發表於1919年4月，後收入《吶喊》小說集之中，時值反帝反封建愛國主義興起，在時代背景下，魯迅塑造孔乙己等病態社會中的不幸角色，用他自己的說「意思是在揭出病苦，引起療救的注意」。已逝的作者面對改編當然無從反對，但改編時保持核心主題是基本的尊重，過於顛覆以達致另一種價值觀的呈現，似是舊瓶換新酒，借用原著的世界設定來申述自己的道理。小山藝術團成功創造出《孔乙己》富有審美情趣的舞台呈現，但在保持原作的文學性上，改變了作者批判時弊的筆風，當最後一幕孔乙己接受鄉民好意，決定脫去長衫找工作時，作品的可思考空間便大大壓縮，戲劇的靈魂也隨之減去了幾分光彩，剩下歌聲中大團圓結局的感動，但要感動和美善的讚頌，又何必《孔乙己》。誠然，兒童劇不僅能夠講述童話、傳遞世界光明美好的一面，也可以講述失敗、死亡、告別，我們可以相信兒童的欣賞能力，以及其心靈對人性的敏銳與反思，讓兒童在演繹和觀賞的過程之中，獲得深刻的啟發和多角度的思考，甚至有時悲劇或開放性的結局，反而能夠為兒童打開更多希望的門，讓他們相信自己有一天會能夠以自己的力量和想法，為故事甚至現實世界帶來不一樣的結局或可能性，而不一定要將成年人的想像或貼近標準的答案搬演到舞台之上，以帶出教育意義。當藝術節挑選兒童劇的時候，對於兒童或親子族群，抱著如何的想像，節目就呈現如何的寄語，劇場是創造神奇的地方，於兒童劇，「談」的過程往往比「好結局」重要。

感受碰撞感受

關於如何「談」，足跡的《嘉路士一世》作了個性的演繹。作品首演於「小劇場演書節Plus」，是澳門少見的技術劇場創作，由擅長燈光設計的杜國康兼任導演，專門從事聲響設計的劉志強負責作品概念，對主題直接發想，運用拿手的藝術語言來表達和描述個人對於談論主體「海岸線」過去和現在的感覺，將歷史中內港一帶的填海、紅色風暴潮、殖民者對殖民地規劃等種種的聯想、故事、文本，隱沒在不同色彩、不同質感的技術創設之下。他們運用概念化、富有想像空間和無限閱讀可能性的聲光展演，索落地在沒有表演者介入的劇場當中，以音樂、燈光作為主角，讓通常隱身於幕後的技術劇場群體，爭取更多的焦點和話語主導權，站在澳門藝術節這個展演及交流平台，讓更多文化藝術愛好者發現演出不一定有演員，呈現出舞台技術也具備獨當一面的可能性——這可不同於TeamLab或無人機秀，觀眾能夠閱讀到的，除了是精準和嚴密的程序編排，還有具姓名的技術劇場社群創作者，通過以感受碰撞感受為目的、非通俗化、去娛樂化與觀光化，不斷打磨意念、拓展語言、挑戰自我技術要求，甚至觀眾接受極限的實驗性過程。

筆者現場發現，創作人比上一版更刻意去除舞台空間與觀眾席的邊界，使得觀眾的自主參與性更大，同場十五位參與者的坐立喜好、遊走路徑與方式的不同，也會為演出添加不同的張力，而通過紙、鏡、箔料等物質的使用，結合場域的選取與空間的形塑，創作者們進一步構建起一套符號化的語彙體系，將創作過程所積聚的感受轉化為冷冽的詩意，發展出一種矇矓抽象的姿態，嵌入聲、光與樂，將氛圍填滿空間但又不至於叫觀眾窒息，剛好包圍並刺激觀眾的感觀，碰撞、觸發出充滿變數的不確定性，有如巨潮、夜半警笛、亂碼字串或顫動的玫瑰花瓣，無法靠耐性去數清或辨認的多重感受，藝術家與觀賞者的心曲在劇場有所限制的指定時間之中同步相互交付且延伸，至於愛或不愛，也許創作人並不介意。

這一版的呈現還增加了前置的社區散步作為演出前奏，被稱之為「風景」、大大小小有如過度曝光的拍立得燈箱，掛在觀眾身上，也裝置在岸邊、水面、媽閣廟前、海事工房戶外空間，通過不同的組合結構與閃動變頻，成為任由觀者自行解讀的一種文化標示，亦作為替代演員的引路符號，配合演出提供的專用耳機，沿途接收技術人員手動天線實時傳送的音樂廣播，讓觀眾浸淫在充滿手工感與質量講究的劇場作業裡。劇場作為群體手工業，在名為嘉路士一世的舊船塢，發展以氛圍帶動的戲劇作品，仿佛可以連結到船航探索與美學探索都離不開人的雙手和技藝追求，被情感濃厚的旋律所滑過的城市肌理，與藝術裝置曾介入過的街道和廣場，在觀眾心中從此多了一層技術劇場藝術家賦予的韻致。

劇場的多稜性

技術劇場工作者是舞台上的築夢者，在射燈以外的暗角禮敬寥寥。石頭公社《消失的身影》作為導演莫倩婷「遷移系列三部曲」之後的延伸，將視覺轉向都市中的另一群人生築夢者——建築業女工。作品以人種誌戲劇（Ethnodrama）的方式，聚焦建築業女工社群，透過地盤體驗、實地考察、凝聽受訪對象及其第二代的心聲，再重新進行編作。導演對不同階層人物的觀察入微，從生命故事中提煉出動人的細節，以戲劇形式串連起不同人物的故事，透過演員的身體在表達工地的鷹架、垃圾桶，以及象徵身份的衣服之間聯翩進出，並加入說唱、神話隱喻、導演獨白等，呈現出建築業女工社群在「階級」底下，因著她們的身份、地位、擁有的資源、勞動形式、生活型態，以及受澳門社會轉變、經濟發展、文化等因素的羈絆，而受到的壓迫、不平等和限制，以及她們如何面對、掙扎、適應和扶養下一代，選擇繼續在時代的巨輪碾壓下堅強，即使早已滿身新傷舊痕。在一個半小時的演出中，子題和訊息看似太多，但它們之間環環相扣，要立體地描述社群在社會現實中的狀態、思索這些未被看見的身影與觀眾之間有形無形的連結，又有其闡述的必要，透過作品有如三棱鏡般將社群面臨的複雜處境色散開來。由於作品的取材角度不單一，有效褪去主流對社群的刻板印象，身體敘事和語言敘事兼用，「消失的身影」從概括到具體，擦亮了建築業女工作為人的喜怒哀樂和命運的高光時刻，在並置拼貼的族群眾生相面前，觀眾的情感可以對號入座，也可以抽離或同理，在澳門藝術節中有這樣一個展現時代精神和社群情感、力量的演出，不僅貼合本屆節慶主題，亦顯影了社會基層的生活寫照，鼓勵觀眾在享受藝術之外，對社會議題有更多關注，對不同階層有更多的關懷。

《消失的身影》演出照（石頭公社提供；攝影：李佩禎）

《消失的身影》若然繼續發展，值得期待的是演員的語言表達與身體關係的進一步融合，由於每位演員要演繹多個角色，現階段在人物形象上，多依靠身體行動的執行，說話的部份有時會太鬆或太過自在，話語其實同屬身體的展露，在角色轉換間，更多地運用不同呼吸的方式、控制聲帶鬆緊來調節聲調高低，以及藉著不同的說話節奏，來傳遞角色在年月中的累積，表達各種勞動形式的身體帶來的話語質感，進一步呈現社群故事。另一點值得期待之處，是劇中文化符號的置入——對應時代的、象徵社群的、受訪者別個而言的，以及從團隊創作美學而來的，目前在眾多的子題結構和拼貼的內容下，顯得稍為混亂，若能有意識地歸納整理，相信更能提升觀眾對舞台語彙的共鳴。

從個人故事到劇場

同樣以舊法院大樓黑盒劇場為演出場地，關於女性、遷移者及其後代、被忽略的族群，本屆藝術節有另一劇目《嫲嫲的寶箱》。不同於《消失的身影》，《嫲嫲的寶箱》非為聚焦社群出發，而是從策劃者李悅程的真實經歷改編，帶出照顧者的迷茫與辛酸，譜寫出另一種格局的生命之歌。

《嫲嫲的寶箱》首演時，由照顧者在真實的院舍環境中親述自己的故事，其力量在於真誠與真實性，這一版改為話劇形式，焦點容易落在藝術呈現上，削弱了作品本身社群自我發聲的力量。演出保留了自白的形式，劇中唯一的演員龔嘉敏在九十分鐘演出時間內，頻繁跳躍於表演形式的轉換，她的能量非常充沛，施展渾身解數，忠實地執行著雜蕪的舞台指示——時而一人分演兩角，時而是說書人，時而要打破第四面牆與觀眾互動，時而駕馭誇張超現實的道具，時而面對空蕩的舞台向觀眾形容病房的日光與櫃頭乍現的魍魎⋯⋯變著花樣的形式看似豐富，令觀眾不怕沉悶，甚至驚喜連連，並在悲喜交織的劇情之下易生感動，可是對於一個以真實情感與經歷，帶領觀眾進入照顧者內心世界的作品來說，故事本身就具有觸動人心的力量，以及值得靜下心來品嚐、反思的地方，目前的呈現不斷以刺激和快感餵向觀眾，形式蓋過了感受本身，只見舞台語彙的效果，未明舞台語彙的目的。而演出到了後半，舞台設計基本上已幫不了劇情的推進，戲劇行動驟然剩下平淡的述說。誠然，照顧者的自白對於具有相同經歷的人，有莫大的共鳴，以失敗者的角度勇敢地分享領著親人走錯路的內疚，亦非常令人敬佩和具有感染力，無需花巧的鋪陳，便足以揭示照顧者的無助、道德綁架的可怕、社會支援的不足、依賴互聯網接收醫療資訊的危險、公共衛生系統的未完善和普及生死教育的急切性等問題。

劇的結束定格在故事原型人物影像和「寶箱」私人物品的展示，仿佛在層層顯露照顧者處境和社會問題之後，把原本可以提升到社會公共層面的討論和對整個社群的關注，拉回個人故事的層次。過去多年，李悅程積極將照顧嫲嫲的經歷，以不同的形式呈現，由開設「共老」臉書專頁到出版《共老》一書，以至去年創作《嫲嫲的寶箱》投案澳門城市藝穗節，首演後獲藝術顧問推薦於今年澳門藝術節升級登場，登上了更大的平台，讓更多人看到了她嫲孫倆的許多經歷和在抗癌路上的起跌，當中很多個人感受和深悟，令有照顧和被照顧經歷的大眾，仿佛看到自己的故事，帶來心靈深處的安慰，但對於更廣泛地打破社會談論死亡的忌諱、關注照顧者和幫助照顧者獲得適切的社會支援上，就有必要在作品中看到更多的角度，最少是不同照顧者的故事，萃取社群的聲音，匯聚成更大的力量和廣闊視野，而不再是李悅程與嫲嫲的劇場。

社群力量的回向

在本屆澳門藝術節之中，我們看到了粵劇名伶、土生土語話劇團堅定不移地開拓藝術領域的延續，點燃傳統薪火相傳的生命力；兒童劇工作者努力不懈地傳播美善，展現群體的創造力；技術劇場藝術家也可獨當一面，鼓動觀眾表達的想像力；還有藝團和個人長期關懷被忽略社群，聯動劇場內外的影響力。由此可見，藝術創作不一定離地，社群的呈現是一種社會脈象。

這些藝術家和文化群體，今年透過澳門藝術節，把作品及藝術形式推廣至更多平日可能較少接觸文化、慕藝術節之名而來的大眾，但這只是一趟慕名之旅，還是可以在藝術節之後，能夠發展出有意義交流的持久觀演關係，還得看作品的內容、議題、表達模式和演繹語言——如上述評論，《聊齋魅影》、《同船一心》在內容和演繹語言上深得社群認可；《孔乙己》在改編上雖有可商酌之處，但對應社群文化習慣，讓觀眾有充分的文化體會；《嘉路士一世》則有藝術和美學追求的品味；而《消失的身影》與《嫲嫲的寶箱》內容呼應社群生活經驗，背後的議題和真實性，正是作品感染力的泉源。

藝術無法直接改變世界，卻給予人們更多激發對話的空間。當一個社群為自己發聲時，或許會受語言的局限，顯得自說自話和欠缺說服力，往往未能進入主流視野，但當藝術家介入其中，帶出對某個社群的關注，甚至以為社群發聲為目的而創作時，就有機會讓更多人透過藝術的力量，感受到社群的處境，向群體投以更多的目光，引發社會議題的認知，在對話中達致觀點的交流。節慶比單獨項目更容易創造出漣漪效應，間接影響整個城市以及其關注者，認識和思考藝術創作背後的種種。期待往後的澳門藝術節，繼續給予文化社群發展的土壤、邊緣群體發聲的平台，在本地社群藝術節依然稀缺的情況下，發揮藝術創造連結的功能，迎接社群力量的回向。

演出節目：聊齋魅影
演出單位：振華聲粵藝會
觀看場次：2022年5月1日 19:30
地點：金沙劇場

演出節目：嘉路士一世
演出單位：足跡
觀看場次：2022年5月3日 20:15
地點：媽閣巴士總站—媽閣廟前地—海事工房1號—海事工房2號

演出節目：同船一心
演出單位：澳門土生土語話劇團
觀看場次：2022年5月7日 20:00
地點：澳門文化中心綜合劇院

演出節目：孔乙己
演出單位：小山藝術會
觀看場次：2022年5月21日 20:00
地點：澳門文化中心綜合劇院

演出節目：嫲嫲的寶箱
演出單位：李悅程
觀看場次：2022年5月27日 20:00
地點：舊法院大樓黑盒劇場